miércoles, 24 de febrero de 2016

¿Qué es una estructura de color?

Estructuras de las dimensiones del color


Una estructura es un todo integrado por partes que se relacionan entre si. Estas partes o zonas, están conformadas por diferentes valores, temperaturas, tonos, saturaciones y matices de color. Es decir, que cada una de las dimensiones del color forma una estructura, que se superpone a las restantes estructuras de las demás dimensiones, como si fuera una imagen formada por dibujos en papeles de calco superpuestos.
Las mismas relaciones de tamaño que ocurren en las estructuras de valor, ocurren en el resto de las estructuras; las zonas de una estructura tienen distintos tamaños  relativos entre si,  tamaños  dominantes o mayores, subordinadas o intermedios y acentos o pequeños. Todo lo que dijimos acerca del valor es traducible al resto de las variables del color.
En una estructura de valor, hay zonas alta o clara, intermedia y baja u oscura:

Osvaldo Attila (1934-2006)
Presente, pasado y futuro
es.virtualgallery.com

Cuando hablamos de temperatura, consideramos zonas cálidas, intermedias y frías:

Fernando Fader (1882-1935)
El corral de las cabras
http://www.mnba.gob.ar/

En cuanto a la saturación, hay zonas saturada, intermedia y desaturada:

Fortunato Lacámera (1887-1961)
Desde mi estudio
http://www.mnba.gob.ar/


En cuanto al tono, hay zonas de distintos tonos:

Raúl Russo (1912-1984)
Paisaje
http://www.mnba.gob.ar/


Con el fin de profundizar en el tema de los tamaños de las zonas de color,  es muy interesante transitar un ejercicio que nos relata Emilio Pettoruti en su libro ”Un pintor ante el espejo” de 1966. Dice Pettoruti:

Emilio Pettoruti
http://www.pettoruti.com/

“Cuando hube hecho varios estudios de color  buscando la luz del cuadro, planté nuevamente mi caballete en la Galería de los Oficios, delante de otro Beato Angélico.
Lo que yo quería esta vez no era hacer la copia del cuadro o de alguno de sus detalles, sino estudiar el color, sus relaciones y sus armonías a través de sus cantidades. (A través de sus cantidades relativas, cantidades de superficie de cada color). Por ejemplo, el cuadro que tenía enfrente, encerraba:
-2 partes de azul celeste brillante, el del cielo
-2 partes de negro disperso
-4 partes de blanco, distribuidos en distintos puntos
-8 partes de grises azulados, los ropajes
-3 partes de verde
-2 de oro
-1 de rojo
-1 de rosado
Tomaba el color en las proporciones más ajustadas en que me era posible y lo distribuía en mi cartón, empezando por centrar el azul, y luego continuaba con los otros colores, según mi gusto, respetando sus cantidades.
Ese mismo estudio me servía luego en el taller para realizar otras armonías de dibujo, de composición y de color, respetando en todo caso las proporciones encontradas en el cuadro de Beato Angélico.
El resultado eran cuadros que hoy se llamarían abstractos. Con estos estudios afiné mucho el gusto y el sentido de la composición, y sobre todo, el de la coloración.”

Emilio Pettoruti (1892-1971)
Boceto para mosaico- acuarela sobre papel
www.rubbers.com.ar

.¿Qué buscaba Pettoruti con estos estudios? La lógica interna del color, las cantidades relativas, las proporciones del color, los tamaños Si se presta atención a los tamaños de color, se ve que lo que predomina es el frío, el gris azulado. El color dominante es frío, el gris azulado. Le siguen el blanco, el negro, el verde y el azul. En total, 13 partes de frío, 4 de cálidos, y 6 de intermedios, o sea, que considerando la totalidad llegamos al siguiente resultado:
-dominante frío (13 partes)
-subordinado intermedio (6 partes)
-acento cálido (4 partes)

Recordemos que el dominante es el color que está extendido en la mayor superficie de la pintura, subordinado es el color que está en menor cantidad que el dominante y el acento es el color que está en el menor tamaño.

Si la composición original era armónica desde el punto de vista del color, y Pettoruti respeta estrictamente las cantidades relativas de cada color, aunque las organice de otra manera, la composición resultante probablemente seguirá siendo armónica.
Sea cual sea la distribución final o posible de estos colores, la composición resultante va a ser más armónica que si la proporción de colores no tuviera claramente un color dominante y un subordinado, en cuyo caso el cuadro tiende a fragmentarse ya que los diferentes colores compiten entre sí.

En toda pintura, si tiene color, están jugando las cinco estructuras de cada una de las variables de color, superpuestas, entrelazadas. 
Decimos que una pintura es claroscura o cromática según la estructura de contraste que predomine, que protagonice el cuadro, pero esto no quita el hecho de que las otras estructuras sigan tomando parte. Si hay color, hay valor, temperatura, tono, saturación y matiz.

Así como hay una zona dominante, hay también un tipo de contraste dominante. En general, es mejor intentar evitar decir las cosas dos veces, ser redundante, es decir, usar dos contrastes (como valor y temperatura) al mismo nivel, ya que de esta manera la pintura pierde riqueza, excepto que sea una elección intencional, para dar más énfasis o importancia a una forma. Cuando se usan varios contrastes simultáneamente para hacer que se vea una forma, se llega a un tipo de contraste gráfico, no pictórico.

[parte 13/?]

miércoles, 17 de febrero de 2016

¿Se puede hablar de pintura? El matiz del color

 El matiz

El matiz es una diferencia menor dentro de un mismo tono, como por ejemplo, dentro del tono azul podemos encontrar distintos matices: azul ultramar, azul cerúleo, azul cobalto, etcétera.Dentro del tono amarillo, los matices son: amarillo limón, amarillo mediano, amarillo dorado. Dentro del rojo, rojo bermellón, rojo mediano, rojo carmín. Dentro del verde, verde limón, verde mediano o verde hoja, verde esmeralda, turquesa. Dentro del naranja, naranja amarillento, naranja medio, naranja rojizo. Dentro del violeta, violeta morado, violeta medio, violeta azulado.
De manera que los matices son los pequeños cambios que se dan en un tono en su avance hacia tonos vecinos.
También son llamados colores terciarios, porque siempre resultan de la mezcla de un color primario con un secundario adyacente.
Vincent Van Gogh
"Girasoles" 1888
http://www.nationalgallery.org.uk/

La relación de matiz es la más frágil desde el punto de vista conceptual,  porque está estrechamente ligada a los conceptos de tono y de temperatura.
Es una dimensión débil ya que por sí sola no conforma estructuras de contraste, sino más bien de pasaje; imaginemos una pintura realizada en distintos matices de amarillo, desde el amarillo limón hasta el amarillo huevo; probablemente a la distancia en que el cuadro se ve entero solamente se vea una única superficie amarilla, con variaciones pero que no son lo bastante notables para generar forma por contraste.
En la obra de Van Gogh que se muestra más arriba, la forma se ve por contraste de valor y de tonos (amarillo, verde, rojo, azul)
La variación de matices no implica en si misma un cambio de saturación del color; un amarillo limón puede ser tan saturado como un amarillo oro.

Pierre Bonnard
"El camino encajonado"
http://www.museothyssen.org/

En esta pintura de Bonnard podemos ver la variedad de matices de verde, desde el lindante con el amarillo hasta el frío verde veronés, cercano al turquesa.
Otros ejemplos de contraste de matiz;

Nicolás de Staël
"Bateau"
www.wikiart.org
En esta pintura de Nicolás de Staël vemos entre los tres azules contraste de matiz: son diferentes azules, o azules de matices diferentes, uno parece provenir del ultramar, otro del cobalto y el del cielo del cerúleo (por supuesto, habrá que ver la pintura en directo para afirmarlo)

Richard Diebenkorn
"Ocean Park #79" 1975
http://www.ocma.net/
En esta pintura de Diebenkorn vemos como el campo verde está formado por dos matices de verde de diferente tamaño entre si.

Miguel Diomede
"El barco" 1950
http://www.arcadja.com/
Diferentes matices de azul en esta exquisita pintura de nuestro Miguel Diomede.

En síntesis, el contraste de matiz se usa de la mano de otros contrastes, ya que por sí solo, si no está acompañado de un contraste de valor por ejemplo,  no determina forma.
Es un contraste que enriquece la pintura, que genera pasajes y variaciones muchas veces sorprendentes.

[parte 12/?] 


miércoles, 10 de febrero de 2016

¿Se puede hablar de pintura? La saturación del color



La saturación es el grado de intensidad del color. Entre todos los rojos que podemos ver en una habitación, el rojo más saturado es el rojo más intenso, el más rojo, el que se nos aparece como el más intensamente rojo. A su vez, de entre todos los tonos que vemos en esa habitación, rojos, amarillos, azules, verdes, naranjas, violetas, el que se vea como más puro, más intenso dentro de su tono es el más saturado.

Edouard Vuillard (1868-1940)
Mme. Vuillard en un interior
www.allpaintings.org
A su vez, de entre todos los tonos que vemos en esa habitación, rojos, amarillos, azules, verdes, naranjas, violetas, el que se vea como más puro, más intenso dentro de su tono es el más saturado.

Renato Guttuso (1911-1987)
"Un ángulo del estudio vía Pompeo Magno"
www.udinecultura.it

También el concepto de saturación, (como el de valor, el de temperatura, el de tono), es un término relativo, que surge de la comparación, en este caso, de los rojos entre sí, y con los otros tonos. Es decir, surge del contraste.
Un rojo se va a ver más saturado si se relaciona con un verde, que es su complementario, en una relación de tono, o si se relaciona con otros rojos menos saturados, en una relación exclusivamente de saturación.
Henri Matisse (1869-1954)
"Odalisca con pandereta"
www.museothyssen.org

Cuando un tono no está en su máxima saturación, lo llamamos tono quebrado. Un tono se quiebra al mezclarlo con su tono complementario. Es la manera de poder manejar diferentes intensidades de los tonos sin que se vean sucios.

Edouard Vuillard
Interior
www.wikipedia.org


Hay un frase de Pierre Bonnard que dice "El arte de la pintura consiste en  aclarar y oscurecer los tonos sin decolorarlos", o sea, sin que pierdan sus fuerza, sin que se ensucien. Esto se logra a través de la mezcla con el complementario.

Pierre Bonnard
Interior
www.wikiart.org

También un color se puede desaturar con blanco y con negro. Cualquier mezcla, producto de la cual el color pierda algo de su pureza, de su identidad, implica desaturarlo. 

Nicolas de Staël (1914-1955)
"Ménerbes"
http://www.christies.com/

Algunos colores oscuros, como el azul ultramar, al contrario de lo que cabría esperar, pueden verse más saturados, más intensos si se lo mezcla con blanco, en una muy pequeña proporción. Allí parece que el azul es aún más azul que antes, o sea que visualmente se satura.

Nicolas de Staël
"Le Lavandou"
http://carmenpinedoherrero.blogspot.com.ar/

La saturación, como todas y cada una de las variables de contraste del color, genera estructura, es decir, zonas relacionadas entre si en diferentes grados de intensidad del color y en diferentes tamaños.

Johannes Vermeer (1632-1675)
"La lechera"
www.rijksmuseum.nl
Johannes Vermeer (1632-1675)"Vista de casas en Delft"www.rijksmuseum.nl


La estructura de saturación en total puede ser más alta, más saturada, o más baja, más sorda, más desaturada o, lo que es lo mismo, menos saturada. La saturación es el equivalente al volumen en el sonido; puede ir del susurro al grito. También podemos comparar los niveles de saturación con el volumen de la música; a mayor saturación, mayor volumen, colores más intensos, más puros; a menor saturación, menor volumen, más grises.
Pensemos en una pintura de Matisse y en una de Giorgio Morandi; en una Benito Quinquela Martín o en una de Miguel Diomede; la principal diferencia es la intensidad de los colores, es decir, la saturación de los colores.

Henri Matisse
"Conversación"
www.wikipedia.org

Giorgio Morandi (1890-1964)
"Natura Morta" 1956
www.wikipedia.org

Benito Quinquela Martín (1890-1977)
"Serie del fuego"
http://www.buenosaires.gob.ar/museoquinquelamartin

Miguel Diomede (1902-1974)
"Autorretrato"
http://www.revistadeartes.com.ar/

En cada pintura, ya sea en total de una saturación alta o baja, encontramos que hay al menos tres zonas: saturada, intermedia y desaturada, en una relación de tamaños diferentes entre sí.
En las paletas tradicionales, la zona saturada suele ser la de menor tamaño, la que funciona como acento cromático de la pintura.
El tono que se satura puede ser uno de los tonos que ya están jugando en la paleta,  o bien un tono diferente, que no había aparecido antes.

Fortunato Lacámera (1887.1951)
"Barcos"
www.galeriasartemio.cpm.ar

Elisabeth Cummings (1934)
"Mogul gardens II"
http://www.artrecord.com/

La saturación se da tanto en la paleta claroscura como en la cromática. Es una de las dimensiones del color que requieren mayor entrenamiento visual, por su gran sutileza.
Para muchos estudiantes de arte, la saturación es el contraste más difícil de reconocer y manejar, como dije antes, por su gran sutileza. También hay que tener en cuenta que cuando estamos trabajando con el contraste de saturación significa que estamos trabajando además (y al mismo tiempo) con los contrastes de valor, de temperatura y de tono. Podemos decir que estamos haciendo malabares lanzando cuatro pelotas al aire.

Cuando la saturación es alta, la paleta es cromática de tono, porque estas dimensiones del color están fuertemente enlazadas y el corrimiento de una implica y modifica indefectiblemente a las demás.

Pierre Bonnard
"Grande salle á manger sur le jardin"
www.guggenheim.org

Los pintores coloristas aprenden gradualmente a manejar la saturación; en general, sus primeras obras son más neutras, más desaturadas, y a medida que el artista desarrolla su trabajo, su paleta se hace más brillante e intensa. Un caso curioso y contrario es el de André Derain, pintor fauvista francés, contemporáneo de Matisse, quien comienza con una paleta de gran intensidad de saturación para evolucionar hacia una paleta claroscura

André Derain (1880-1954)
"Retrato de Matisse"
museumexhibitions.wordpress.com


André Derain
"Retrato de una joven mujer"
www.chrsties.com

La paleta claroscura tiene, por definición, una saturación relativamente baja; y el tono saturado comúnmente es usado como acento, es decir, es de un tamaño pequeño y se corresponde con un tono que está presente, más o menos quebrado, en toda la superficie de la pintura.

Diego Velázquez (1599-1660)
"Infanta María Teresa"
http://collections.vam.ac.uk/


[parte 11/?]


lunes, 1 de febrero de 2016



El tono del color


Llamo tono a lo que comúnmente llamamos color. Tono es la identidad de cada color, tono es el rojo, el amarillo, el azul, el verde, etcétera.
El tono rojo incluye a todos los rojos, a todo lo que percibimos como rojo.
El tono es otra de las variables dentro del color que conforma estructuras de contraste. Cuando los pintores que continuaron el camino del color iniciado por el impresionismo “estiraron” las diferencias o contrastes de temperatura entre los colores llegaron a estructuras de tono, como hicieron Vincent Van Gogh y Pierre Bonnard desde fines del S XIX. 

Vincent Van Gogh (1853-1890)
London National Gallery
http://www.nationalgallery.org.uk/


La estructura inicial de contraste de temperatura, al ser empleada en forma tan expandida, comienza a transformarse, y finalmente se convierte en una estructura de tono, y entonces lo que percibimos en primer lugar son las diferentes identidades de los colores.
dijo, siendo muy joven: “cuando mis amigos y yo quisimos continuar y desarrollar las búsquedas de los impresionistas, intentamos sobrepasar sus impresiones naturalistas del color. El arte no es la naturaleza. Fuimos más exigentes con la composición. Por otra parte, era posible sacar mayor partido del color como medio de expresión. Pero la marcha del progreso se precipitó, la sociedad dio la bienvenida al cubismo y al surrealismo antes de que nosotros lográramos lo que nos habíamos propuesto. Nos quedamos entonces como suspendidos en el aire”.
De todas maneras él siguió con este camino trazado a lo largo de toda su vida. A partir de esta crítica al Impresionismo que significa su apego al modelo, desarrolla su pintura, agregando una clara intención, exagerando y modificando las relaciones de color del modelo, olvidándose del modelo tal cual era, en función de la expresión de cierto clima que le interesaba mostrar, de sensaciones, de la “primera sensación”, tratando de mantenerla viva y de recrearla, traduciendo esa sensación a color para exacerbarla. Al principio su pintura se estructura por contrastes de temperatura. Más adelante, lo que era un ocre para a ser un amarillo, lo que era un gris frío pasa a ser un azul. Lo que antes se veía como una relación entre cálido y frío ahora se ve como contraste entre dos tonos.

Pierre Bonnard (1867-1947)
Musée d´Orsay http://www.musee-orsay.fr/


Pierre Bonnard 
National Gallery of  Art Washington
http://www.nga.gov/

Este camino implica un aumento en el nivel de saturación o intensidad de los colores y por lo tanto, un espacio plástico más plano; los colores saturados refieren al plano, ya que tienden a moverse hacia adelante desde el punto de vista perceptivo. Es una contradicción usar una paleta de tono en un espacio representativo de la profundidad.
Por otros caminos, otros movimientos llegaron a emplear el contraste de tono como protagonista de su pintura, como los fauvistas franceses (Henri Matisse, Derain, Vlaminck) y expresionistas alemanes (Ernst Kirchner, Schmidt Rottluff, etc.) a principios del S XX.

André Derain (1880-1954=
Museo Thyssen.Bornemisza
Madrid

Henri Matisse (1869-1954)
MoMA http://www.moma.org/

Maurice Vlaminck (1876-1958)
Museo Thyssen-Bornemisza

Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938)
Museo Thyssen.Bornemisza
Madrid


Karl Scmidt Rottluff (1884-1976)
Museo Thyssen-Bornemisza Madrid
Los fauvistas, para decirlo de una forma un tanto simplificada y reducida, usan cada tono en su valor, es decir, usan el amarillo para los valores altos, los rojos o verdes para los intermedios, y los azules y violetas para los bajos, es decir, que no dejan de considerar la relación de claro y oscuro, pero la traducen a contrastes de tono. Esto no es totalmente cierto, ya que modifican el color con blanco y además, como dice Matisse, reemplaza un fuerte contraste, como el que existe entre una blusa roja y una pollera negra de una modelo, por otro contraste equivalente, pero con mayor protagonismo del tono, como el que existe entre un rojo y un verde.
También la pintura de Piet Mondrian es una pintura de tonos, así como gran parte de la pintura medieval y renacentista primitiva.
 
Piet Mondrian (1872-1944)
Museo Thyssen-Bornemisza
Madrid


fresco medieval románico
Museu Ncional d´Art de Catalunya
http://www.museunacional.cat/



Giotto (1267-1337)
Capilla Scrovegni, Pädua
Sin embargo, hay diferencias entre la pintura de Bonnard (y algunas de Van Gogh también), con la pintura del Fauvismo y con pinturas de Gauguin; si traducimos a grises, es decir, a valor, las primeras, vemos una suerte de nube gris con algún acento claro y/u oscuro; todos los tonos están llevados prácticamente al mismo valor. Mientras que la misma traducción a grises de una pintura fauvista o de una de Gauguin, resulta en una imagen mucho más comprensible; a pesar de perder la fuerza expresiva del tono, no obstante podemos seguir leyendo las formas sin dificultad, lo que no sucede con la pintura de Bonnard.



Pierre Bonnard -en grises arriba-

¿Qué significa ésto? Que Bonnard cuando pinta distingue cada una de las dimensiones del color y las trabaja por separado. El resultado es tal vez una pérdida de potencia, de impacto de la imagen en relación a la imagen fauvista, al mismo tiempo que un enriquecimiento en términos de clima..


Vincent Van Gogh -en grises abajo-


En nuestro país Emilio Centurión en su última etapa, Benito Quinquela Martín, Carlos Torrallardona, Leopoldo Presas y Raúl Russo son algunos pintores que utilizaron esta paleta.

Carlos Torrallardona (1913-1986)
http://artedelaargentina.com/

Raúl Russo (1912-1984)
http://artedelaargentina.com/


Gran parte del Renacimiento, sobre todo el SXV y principios del XVI, es también cromático; su paleta es de tono, pero es el tono del color local o color materia –el color de los objetos-. Es un camino diferente al de las paletas de tono del SXX: no ha sucedido aún el Impresionismo, con su contraste de temperatura, no se tiene aún esa experiencia. No se toma en cuenta la modificación de los tonos por efecto de la luz o de la atmósfera.Su razón de ser es más simple; sin embargo, no por ello es menos bella.

Fra Angélico (1395-1456)
http://www.artelista.com/

Peter Brueghel (1525-1569)
http://www.kunstkopie.de/

Otra paleta cromática de tono es la de la Edad Media; los códices medievales y los vitrales de las catedrales se estructuran a partir de puras relaciones tonales; en este caso el color es simbólico, no parte de la observación de la naturaleza, como en el caso del Renacimiento, sino que responde a un orden divino.

Vitral Catedral de Chartres, Francia (alrededor de 1205-1240)

En el S XX, muchos pintores usaron la paleta de tono, como Mark Rothko, o Richard Diebenkorn y Ronald Kitaj en gran parte de su obra.

Mark Rothko (1903-1970)
https://sala17.wordpress.com
Richard Diebenkorn (1922-1993)
http://deyoung.famsf.org/



Ronald Kitaj (1932-2007)
https://es.pinterest.com

El contraste de tono, finalmente, también se organiza en zonas, comúnmente llamadas tamaños de color. Es imprescindible que un tono sea el dominante, otro el subordinado y otro el acento, en términos de superficie sobre el cuadro. De lo contrario, la imagen pierde su unidad y se parte, o se rompe, es decir, no es leída como un todo.

Un ejemplo de paleta de tono es el famoso cuadro llamado “El Talismán”, pintado por Paul Sérusier en el norte de Francia bajo las directivas de Gauguin. Esta pequeña pintura, realizada sobre la tapa de madera de una caja de cigarros, fue un verdadero faro para los jóvenes pintores franceses de finales del S XIX que conformaron el grupo de los Nabis, entre los que se encontraban Bonnard, Villard, Maurice Denis, Xavier-Roussel y el mismo Sérusier.
Gauguin le indicó a Sérusier que, mirando el modelo, que en este caso era un paisaje, aumentara la intensidad de saturación de cada tono que viera; si una zona era amarilla, debía usar el amarillo más intenso que tuviera en su paleta, y lo mismo para los demás colores.

Paul Sérusier ( 1864-1927  )
El talismán
http://www.musee-orsay.fr/
[parte 10/?]